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A Música Minimalista
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Mesmo que você nunca se tenha deparado com o termo minimalista com referências à música, é muito que tenha já ouvido música minimalista. Desde que Michael Nyman inventou o termo no final dos anos 60, este género tornou-se incrivelmente popular.
O minimalismo não só enche os nossos locais de concertos e salas de ópera, como entrou na música pop e no mundo do cinema.
Em parte, a razão para o sucesso do minimalismo é que é música acessível, na sua maioria tonal e altamente rítmica. Estes dois elementos, por si só, proporcionam um apelo popular.
De forma semelhante ao mundo minimalista da arte, as origens do género têm origem nos EUA. Este género de arte exibe frequentemente padrões geométricos abstratos ou formas de aparencia simples, ou ingénua.
Veja as pinturas de Mark Rothko, Willem de Kooning, ou as esculturas de Donald Judd para ter uma ideia do que é este movimento artístico. Isto é útil, pois as caraterísticas que se ouvem na música minimalista espelham de alguma forma o mundo da pintura e da escultura.
Características da Música Minimalista
A lista dos pioneiros da música minimalista deve incluir compositores como Louis Hardin (Moondog), Terry Riley, Philip Glass, Steve Reich e La Monte Young, para citar apenas alguns.
O que ouvimos surgir nestas incursões iniciais no género são muitas das características do que viria a estabelecer-se como o minimalismo.
As peças compostas por Moondog dos anos 50, por exemplo, concentram-se em ritmos de evolução lenta sobre pulsos regulares com elementos contrapuncionais.
Foram usadas frequentemente assinaturas de tempo invulgares trazendo um interesse rítmico adicional, mas a música permaneceu amplamente tonal.
A repetição de ostinato (frases curtas rítmicas ou melódicas), assumiria um papel central no minimalismo que aí vinha. Onde isto se tornou engenhoso foi de facto no modo como foi e ainda é usado.
Para esclarecer, há uma técnica usada por muitos compositores do género chamada phasing ou mudança de fase.
Parece simples, mas essencialmente o que acontece são dois padrões muitas vezes idênticos, as frases começam a soar juntas e gradualmente alterando a velocidade saem de fase.
Isto cria uma transformação hipnótica na música que gera mudanças subtis na ênfase rítmica, alterando a forma como o seu foco é desenhado.
Assim como os ritmos evoluíram lentamente ao longo de períodos por vezes prolongados no trabalho minimalista, a progressão harmónica, se é que houve alguma, também se revelou gradualmente.
Um recurso comum é simplesmente mudar de um acorde maior para um tom menor (ou seja: Fá maior para Fá menor). Não existe uma preparação harmónica, apenas uma mudança sem aviso prévio.
Em princípio, é simples, mas os compositores cronometram cuidadosamente estas pequenas mudanças para se alinharem com os grandes pontos estruturais da música, não por acaso.
Às vezes, ao envolvermo-nos com uma longa peça de minimalismo, podemos sentir que o compositor está a testar a nossa resistência.
A influência do Gamelan (música tradicional balinesa), e em certa medida da música tradicional africana, é evidente em algumas composições minimalistas. Isto pode ser ouvido de diferentes maneiras.
O mais óbvio pode estar em obras como ‘Drumming’ (1970-71), ‘Music for Pieces of Wood’ (1973), de Steve Reich, onde a ênfase é puramente no ritmo, não na melodia ou harmonia. Como compositor, isto representa um desafio e tanto.
Uma outra ligação é com a homogeneidade dos conjuntos minimalistas. Com isto, refiro-me a peças que são apenas para pianos, ou apenas clarinetes, ou vozes masculinas. Isto reflete uma homogeneidade semelhante na música Gamelan.
Há também, naturalmente, o forte uso de ostinati tanto na música africana como balinesa, o que reforça ainda mais a ligação ao minimalismo.
Isto não é de forma alguma o limite de influência da música de outras culturas. Nas obras de Terry Riley, por exemplo, a música indiana deu uma contribuição significativa para uma série de suas obras que continuam a incorporar sua filosofia maravilhosamente única.
O que você não vai descobrir em inúmeros exemplos de música minimalista é uma melodia estendida ou esquemas harmónicos elaborados e de rápida movimentação.
Ao invés disso, são os padrões rítmicos elaboradamente interligados que servem como a principal força motriz e unificadora dentro da música. Isto não significa que o interesse melódico esteja ausente.
Com um forte aceno de cabeça para o Jazz, Steve Reich capta elegantemente uma série de estados de espírito ou paisagens nova-iorquinas no seu “New York Counterpoint” de 1985.
Aqui ouvimos não só ideias melódicas que não pareceriam deslocadas vindas do clarinete de Benny Goodman, mas também dançar ostinati que são muito convincentes.
A escolha do conjunto de Reich é nove clarinetes, que incluem um par de clarinetes baixo. Se gosta desta peça, também vale a pena ouvir ‘Electric Counterpoint’ (1987), que é marcado para 12 guitarras elétricas, incluindo duas guitarras baixo, ou guitarra elétrica solo e fita.
Embora fique sempre evidente para mim quando escrevo este tipo de artigos que existem muitos compositores dignos que não menciono, tenho de chamar a atenção para aqueles que sinto que são para mim mais influentes dentro do género.
John Adams é um desses compositores. Adams é outro compositor minimalista nascido nos Estados Unidos, mas que na minha opinião, esculpiu um caminho de composição muito diferente de muitos de seus contemporâneos.
Ao escolher a partir de quase todo o extenso catálogo composicional de Adams, você vai ouvir os traços do minimalismo, mas muito mais.
O que se destaca para mim não é apenas a originalidade consistente da forma e do dispositivo rítmico, mas o uso ricamente diversificado da harmonia de Adams.
Além disso, a forma como John Adams pontua a sua música é verdadeiramente extraordinária conjurando texturas e sonoridades dos seus músicos de uma forma verdadeiramente engenhosa.
Dois exemplos notáveis disso são ‘On The Transmigration of Souls’ (2002) e ‘Gnarly Buttons’ (1996).
Na música de John Adams, testemunhamos a sua bem-sucedida fusão do minimalismo com o Jazz, a cultura popular e a tradição clássica ocidental de formas que não ouvi em nenhum outro lugar.
Talvez o maior nome no mundo sempre em expansão do minimalismo seja Philip Glass (n. 1937). A sua música tem a clareza e a elegância que exemplificam muitas das características do género.
Mesmo que o próprio compositor nunca tenha alinhado voluntariamente com o minimalismo, o universo sónico de Glass dá mais do que um olhar passageiro nessa direção.
A sua música engloba uma gama gigantesca de peças, desde filmes a ópera e obras para piano solo. A música de Glass continua a ser imensamente popular hoje em dia.
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O artigo original The Characteristics Of Minimalist Music: An Introduction, foi publicado @ CMUSE – Classical
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