O PICTORIALISMO

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A maioria das pessoas levaria algum tempo para descobrir que as imagens acima não são esboços a carvão de Degas ou algum outro artista impressionista. Na verdade, são fotografias do final do século XIX, artisticamente manipuladas para parecerem pinturas. Eles foram feitos numa época em que ainda não havia ocorrido para a maior parte do mundo que a fotografia poderia ser usada para criar uma imagem em vez de simplesmente registá-la. Antes do Photoshop e das imagens geradas por máquinas, um movimento pouco conhecido de criadores usava uma curiosa técnica de manipulação de fotos para ajudar a fotografia a encontrar o seu lugar como uma verdadeira forma de arte. Eles foram chamados pictorialistas.

 

 

 

 

 

 

 

Quando a Kodak lançou a primeira câmara portátil em 1888 com o slogan “Você carrega no botão, nós fazemos o resto”, a fotografia de repente tornou-se uma das maiores modas do mundo.

“Milhares de fotógrafos comerciais e cem vezes mais amadores produziam milhões de fotografias anualmente”, explica o Dr. Michael Wilson, o maior colecionador mundial de fotografias do século XIX (que também é o produtor de todos os filmes de James Bond desde Moonraker) . . .“

 

 

“O declínio na qualidade do trabalho profissional e o dilúvio de instantâneos (um termo emprestado da caça, que significa dar um tiro rápido sem perder tempo para apontar) resultou num mundo inundado de fotografias tecnicamente boas, mas esteticamente indiferentes.”

 

 

De repente, todos eram fotógrafos e a abordagem amadora de “apontar e disparar” minou a natureza artística da fotografia. Se qualquer pessoa podia tirar uma fotografia, como poderia isso chamar-se arte? O debate parece familiar – como quando a fotografia se tornou digital e, novamente, mais recentemente, quando o Instagram e os seus filtros prontos assumiram a media social. Ou mesmo quando a fotografia foi inventada, em 1839, Charles Baudelaire escreveu um artigo sobre como o meio foi criado para destruir a própria arte, já que ninguém mais se incomodaria em fazer pinturas. Em vez disso, os pintores ficaram livres para se tornarem mais expressivos e algumas das melhores obras da história se seguiram.

O pictorialismo nasceu desse debate contínuo que começou no século XIX – de fotógrafos tentando “provar” a sua arte e alinhá-la mais de perto com os atributos de grandes pinturas. O movimento descolou no início do século XX, quando fotógrafos dedicados foram ironicamente forçados a separar-se da tecnologia que impulsionava o seu meio para o futuro e para o mainstream, num esforço para desacelerar a fotografia do seu tempo e essencialmente reverter o seu progresso. Eles inventaram trabalhosos processos caseiros para manipular as suas imagens e transmitir emoção e atmosfera – como uma pintura. Eles usaram lentes especiais e câmaras mais complexas e desatualizadas que nenhum “atirador instantâneo” casual de fim de semana poderia dominar.

 

 

Os puristas, no entanto, odiavam o pictorialismo e ainda acreditam que a manipulação de imagens é contra as regras. Charles Dickens simplesmente desistiu da fotografia quando as massas de fotógrafos de fim de semana invadiram o reino que havia sido dominado por cavalheiros aristocráticos nos primeiros quarenta anos da sua invenção. Lewis Carrol, que se destacou na arte, tornou-se um conhecido cavalheiro-fotógrafo e tinha o seu próprio estúdio, mas também desistiu quando introduziram a chapa seca. Outros eram mais dedicados e persistentes quando se tratava de reivindicar o seu meio entre as artes plásticas. Henry Peach Robinson e Peter Henry Emerson estavam entre os pioneiros do movimento que reuniu um grupo de outros fotógrafos com ideias semelhantes, graças às suas primeiras publicações sobre os elementos da fotografia pictórica.. O próprio conceito de fotoclube foi concebido com o pictorialismo, gerado pelo desejo de se associar a artistas e os seus salões e galerias particulares.

 

 

Um bom número de fotógrafos do movimento eram de facto pintores, originalmente, que adotaram a fotografia como uma ferramenta para ajudá-los a registrar a pose de uma modelo ou uma cena de paisagem (todos, de Delacroix a Cézanne e Gaugin, usaram a fotografia nos seus trabalhos). Algumas das melhores impressões criadas durante a era pictorialista são as mais pictóricas; os que enfatizam as propriedades físicas da tinta e como ela é aplicada na tela.

 

 

Tais efeitos pictóricos foram alcançados com uma variedade de processos trabalhosos, incluindo o uso de emulsões caseiras, impressões de platina e impressão de goma bicromato – técnicas que enfatizaram a fisicalidade dos materiais sensíveis à luz, criaram um efeito impressionista suave que prestou homenagem aos pintores que tinha vindo antes deles.

 

 

 

 

 

 

Os pictorialistas abraçaram brevemente a fotografia colorida quando ela foi inventada em 1903 pelos irmãos Lumière. A princípio, eles ficaram fascinados com os resultados do processo “Autochrome”, mas rapidamente o rejeitaram por causa de seu processo “pré-fabricado” e falta de controle manual sobre os produtos químicos e técnicas envolvidos. Hoje, o Autochrome é considerado uma arte morta , não explorada pela tecnologia do século XXI e ainda por ser verdadeiramente explorada ou recriada para a era digital. Muito do que foi produzido usando placas Autochrome, no entanto, é Pictorialism 101.

 

 

Fotógrafos pictóricos cobriram uma ampla gama de assuntos, desde retratos domésticos, naturezas-mortas e nus até estudos paisagísticos e arquitetônicos. Mas eles nem sempre concordavam com a estética e nem tudo era muito bom. Peter Henry Emerson, que tinha tudo a ver com documentação honesta e paisagens naturais, odiava o trabalho do seu colega pioneiro pictórico, Henry Peach Robinson, que usava modelos fantasiados em cenas encenadas. Mas ambos concordaram que a fotografia poderia ser considerada uma forma de arte erudita. Apesar de o mundo do pictorialismo ser liderado por uma curiosa mistura de cientistas, artistas e acadêmicos, todos os pictorialistas certamente pareciam ter uma coisa em comum: nostalgia.

 

 

Os pictorialistas eram pessoas modernas e instruídas, mas quando as máquinas estavam “dominando o mundo” durante o auge da Revolução Industrial, eles ansiavam pelos bons velhos tempos e mantinham a tradição do artesanato artesanal. Muitos baniram intencionalmente qualquer indício do mundo moderno, comercial e mecanizado nos seus assuntos. No entanto, mais tarde, à medida que o movimento evoluiu, alguns dos fotógrafos do movimento começaram a reconhecer o industrialismo e a trabalhar com aquela poluição produzida nas fábricas para criar uma atmosfera estranha, semelhante a como JMW Turner fazia nas suas pinturas.

 

 

Mas o pictorialismo teria vida curta e o movimento só realmente prosperou entre 1885 e 1915. Quando estourou a Primeira Guerra Mundial, o mundo moderno havia chegado. Se você não reconhecesse as máquinas e o modernismo, estaria vivendo na idade das trevas. O gosto do público mudou e ele queria imagens nítidas e focadas. Alguns dos mais importantes fotógrafos modernistas do século XX, como Edward Weston, iniciaram as suas carreiras no pictorialismo, mas o abandonaram como muitos outros quando saiu de moda e efetivamente se tornou um movimento esquecido.

 

 

O pictorialismo verá um retorno? Na era pós-moderna, onde os monitores de cristal líquido são agora uma tecnologia comum, desde telas de telefones celulares até televisões de tela ampla, e a nitidez se torna tão comum e comum, você poderia argumentar que o renascimento do pictorialismo já está em andamento. Essa nitidez cristalina em fotografias onde você pode ler cada poro do rosto humano pode muito bem parecer grotesca para o mundo da arte em um futuro próximo, se já não parecer.

 

 

Jamie Beck é um dos nossos pictorialistas favoritos do século XXI, que pode recriar uma imagem no estilo pré-rafaelita enquanto ainda abraça e domina a fotografia digital. Enquanto isso, colecionadores como Dennis Reed podem ser creditados por reviver o movimento esquecido, tendo recuperado o trabalho perdido de toda uma comunidade de artistas fotográficos do início do século XX.

 

 

Então, como alguém se torna um colecionador de fotografia de belas artes? Primeiro, treine o olho. Um bom lugar para começar seriam os museus, feiras de arte e arquivos que possuem departamentos de fotografia. Sir Elton John era, entre aspas, “completamente ignorante” sobre fotografia e hoje ele possui uma das mais importantes coleções de fotografias de arte existentes hoje. Claro, ele tinha um orçamento muito diferente do resto de nós e sua coleção gira principalmente em torno dos mestres modernistas, mas o que quero dizer é que nunca é tarde para começar.

 

 

Da próxima vez que estiver no mercado de pulgas ou na casa de leilões local, volte sua atenção para a fotografia de belas artes. Fique atento às fotografias pictóricas entre uma pilha de gravuras antigas. Procure na internet pictorialistas desconhecidos do início do século XX, cujas cópias assinadas originais de $50 poderiam muito bem valer milhares numa galeria de arte no futuro. Como a tecnologia continua avançando na velocidade da luz e a história se repete , você pode querer apostar no pictorialismo.

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O artigo original THE PICTURES THAT REDEFINED PHOTOGRAPHY AS A FINE ART, foi publicado @ Messy Nessy
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