DIEGO ARAÚJO

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Imagem em destgaque: Dandelion searching for love (2021). Ilustração 3D feita em Blender, por Diego Araujo.

 

O que veio primeiro na tua vida, a ciência ou a arte?

Existe uma diferença entre elas (risos)? Tanto quanto me lembro, quando jovem, já fazia algum tipo de desenho, mas também estava a admirar  os desenhos de Amoeba e aranhas em enciclopédias biomédicas que tínhamos em casa. Formalmente, desenvolvi-me como cientista. Isso significava passar por uma Licenciatura em Biologia, Mestrado em Ecologia, e um Doutoramento com foco em biologia evolutiva. Engraçado, porém… parece que sempre me interessei por assuntos relacionados com a anatomia e as cores dos animais, o que é um conhecimento essencial para muitos artistas. Talvez o meu cérebro artístico estivesse a orientar os meus interesses científicos.

 

 

Durante os meus estudos de mestrado, comecei simultaneamente um bacharelato em Belas Artes noutra universidade (o ensino público é gratuito no Brasil, pelo que se pode fazer esta loucura). Estava demasiado concentrado nas artes plásticas contemporâneas e não trouxe grande parte delas na minha arte actual. Foi apenas durante o meu doutoramento que me dediquei realmente à arte. Porque a minha pesquisa tinha um forte foco na visualização da anatomia dos insectos, aprendi a modelação 3D para isso. E de repente apercebi-me que estava a gostar mais da modelação 3D do que da investigação científica. Atualmente, trabalho como ilustrador científico em Singapura.

 

Que ciências se relacionam com a tua prática artística?

Ciências quase biológicas, devido à minha própria formação. Inspiro-me muito na Entomologia (o estudo dos insectos) e na Aracnologia (estudo dos aracnídeos). Tento usar detalhes da anatomia, comportamento e ecologia destes animais para criar criaturas caprichosas e os estranhos mundos em que vivem.

Tento sempre usar alguns conhecimentos de biologia evolutiva, especialmente de Filogenética, para orientar alguns métodos de criatividade. Isto é na verdade muito semelhante ao que alguns artistas conceituais fazem: criando uma anatomia de base e modificando algumas características, posso inventar vários conceitos para uma criatura, como se estivesse a criar várias espécies, alterando a forma original (ancestral, em evolução) das suas pernas e dentes.

Recentemente também me ando a inspirar na biologia Celular e Molecular. Isto não significa que vou desenhar células e moléculas nas minhas criações pessoais. Tal como acontece com os insectos e aracnídeos, usarei as formas das moléculas e os seus comportamentos dinâmicos como inspiração para criar criaturas interessantes e mundos complexos. Ou talvez criarei uma versão mais caprichosa de uma célula.

 

 

Que materiais usas para criar as tuas obras de arte?

Trabalho tanto com meios digitais como analógicos. No mundo digital, estou a concentrar-me principalmente nas ilustrações 3D, que crio em Blender (blender.org), um software de criação 3D gratuito. Por vezes faço ilustrações 2D em Procreate ou Krita (krita.org), que é um software de pintura digital gratuito. Com suportes analógicos, utilizo sobretudo aguarela e tinta. Em alguns casos, faço desenhos de linha com lápis ou tinta e pinto-o digitalmente em Krita.

Independentemente do meio ou técnica, há uma coisa que tento sempre fazer: esboçar, num pedaço de papel, seja com tinta, aguarela ou mesmo lápis de cor. Depois utilizo-o como referência para alguns dos meus trabalhos. Alguns esboços foram mesmo a base para criar grandes histórias que estão agora a tornar-se projetos concretos.

 

 

Recentemente estou a explorar outras ferramentas, tais como geradores de fractal 3D e mesmo arte gerada por IA. Com arte fractal, utilizo Mandelbulber (sites.google.com/site/mandelbulber/). Nele, posso manipular os parâmetros das equações fractais e criar mundos visuais deslumbrantes que exploro como se fosse fotógrafo. Adoro a arte fractal 3D porque funciona como uma forma de arte conceptual, onde posso criar formas estranhas que podem parecer algo fora, de um mundo de fantasia. Pode ser usado como um “gerador de ideias” ou mesmo como uma forma de criar uma paisagem de fantasia. Com a arte IA, estou a desenvolver um pequeno projecto com Wombo Dreams. Pensei que não ia gostar, mas tornou-se uma ferramenta muito interessante para contar histórias. Não sou eu quem faz a arte, mas sinto-me como um cientista a explorar um novo mundo e é meu dever estudá-lo e descrevê-lo.

 

 

Uma pequena nota. Desculpem a utilização do termo meios analógicos, em vez de meios tradicionais. Acho engraçado usar a palavra tradicional para diferenciar as criações digitais das físicas. Temos novas ferramentas físicas que foram desenvolvidas nos últimos 5 anos, tais como a caneta de desenho 3D, certos tipos de pigmentos fluorescentes e assim por diante. Mas como não são digitais, chamamos-lhes traditional? Entretanto, temos técnicas de modelação 3D e pintura digital 2D que têm mais de 10 anos. A modelação em baixa polimerização é tão antiga como a 3D já existiu. O mesmo para a arte pixel, que foi a forma mais antiga de arte digital e está a voltar como um estilo retro. Assim, existem meios tradicionais dentro de meios digitais too.

 

Trabalho artístico/Exposição de que mais te orgulhas:

Posso mencionar aqui duas obras de arte?!

A primeira é a série de três ilustrações em aguarela que criei em 2016. Já estava a trabalhar como ilustrador científico, mas ainda estava a lutar para criar o meu próprio trabalho pessoal. Estas três peças representavam o momento em que eu pensava âOh! Eu consigo fazê-lo!â. O estilo foi inspirado por um artista que eu estava a seguir no youtube naquela época. Segui o seu processo passo a passo, e aprendi a ser paciente e a não julgar a minha arte quando esta estava apenas a meio caminho de ser feita. Demorei aproximadamente 16 horas a criar cada peça (repartidas por 5-6 dias).

Posso dizer que o meu trabalho de ilustração actual é diferente, mas evoluiu a partir dele. O meu interesse por cenas complexas e detalhadas começou aí. Além disso, a primeira peça, âSteampunk golemâ, era tão interessante que eu queria criar uma história para ela. E isto foi espantoso, porque me iniciou em todo o mundo da narração (para escritores, e não apenas para ilustradores). Comecei a escrever a história e ela mudou muito, mas aprendi muito sobre coisas como construir o mundo, criar personagens profundos, a estrutura de 3 factos.

Sobre as árvores da floresta, as crianças admiravam uma lagarta. De repente, por detrás das folhas, uma vespa tentou atacá-la. Ambas se apressaram a proteger a lagarta. Porque me impedem de alimentar os meus bebés?” gritaram a vespa. A lagarta é a sua comida!’ Ela avançou. Sentindo-se desconfortáveis e incapazes de agir, as crianças olharam-se umas para as outras, esperando por uma solução. A lagarta assumiu uma postura defensiva. Não se preocupem, pequeninos! J pode defender-se a mim próprio! Prossiga com a sua viagem.” A lagarta gritou, e eles partiram, com medo de olhar para trás”

 

 

O segundo é o meu livro, âSweet Potato & Walnut â a espiral da vidaâ, que estou quase a terminar. É uma história caprichosa ilustrada sobre a natureza biológica da vida e da morte. Segue a viagem de duas crianças para o deserto. Elas têm vários encontros que lhes ensinam algo sobre a vida e a morte. É um projecto que começou com um esboço há cerca de 2 anos, e lentamente evoluiu para um mundo maior, que estou a construir com muita influência da ecologia, zoologia e biologia evolutiva. Também me ajudou a encontrar uma direcção para o meu estilo pessoal, tanto em termos da forma como quero desenhar personagens, criaturas e mundos, como também a temática nas minhas histórias. Quero realmente concentrar-me muito na ideia de como podemos compreender a natureza, de modo a podermos compreender a nossa própria natureza â a ponto de questionar o que é a vida e o que é a natureza.

 

Que cientistas e/ou artistas te inspiram e/ou influenciaram?

Letâs começar com os cientistas. Em primeiro lugar e acima de tudo, Charles Darwin. Não só por causa da teoria evolutiva e de todo o corpo de conhecimento da história natural que ele gerou. Mais do que isso, era o tipo de cientista que ele era, o que hoje em dia não podemos ser. Aquilo a que nas histórias de Steampunk se chama “o polimata”, ou uma pessoa que é bem versada em muitos campos do conhecimento. Ser naturalista significava saber muito sobre animais, plantas, geografia, geologia, paleontologia, medicina e talvez até matemática e engenharia (para não esquecer que alguns deles também conheciam pintura e desenho). Penso ter tido a sorte de ter estado exposto a muitos (ainda poucos) campos da ciência e depois ter feito uma mudança para a arte. É o mais próximo que posso chegar da ideia de um naturalista vitoriano. Sobre esta nota, também adoro o trabalho de Ernst Haeckel.

 

 

Para os artistas, isso é um pouco complicado. A forma como estou “inspirado” hoje em dia, é muito diferente do que era há 7-8 anos atrás, quando começava a fazer a transição da ciência para a arte no meu doutoramento. Nesses primeiros tempos, acompanhei vários artistas em diferentes canais de comunicação online. Aprendia muitas técnicas com cada um deles. Mas lentamente, comecei a seguir um princípio (ou atitude artística) que aprendi com Iain McCaig. Trata-se de parar para usar a arte de outros artistas como referência, e começar a usar o mundo à sua frente como uma referência. Assim, dessa forma, ele foi uma grande influência. Por causa disso, estou a ser mais inspirado pelas atitudes e abordagens do que pela própria arte. Sou fortemente influenciado por Hayao Miyazaki e Brian Froud. Sim, adoro a sua arte, e espero que haja um pouco da sua arte na minha arte! Mas sou sobretudo influenciado pela sua aparência e interacção com a natureza, e como trazem isso às suas histórias.

 

SciArt é um termo emergente relacionado com a combinação de arte e ciência. Como o definirias?

Hmmm…  Faça esta experiência: pegue nas ilustrações de capa de algumas revistas científicas, e coloque-as noutro contexto, tal como uma revista de arte moderna, uma capa de livro de fantasia, um pacote de produtos ou mesmo uma impressão emoldurada. Poderia (ou outras pessoas) dizer que é SciArt? É apenas o contexto que a define. A menos, claro, que esteja a falar de ilustrações esquemáticas para trabalhos científicos – a maior parte do meu trabalho profissional. Mas mesmo o desenho anatómico de um coração pode ser usado como capa de um livro de ficton sobre uma relação romântica.

O inverso também é verdade. Um artista pintando um retrato de uma pessoa triste não está a fazer o que seria considerado SciArt. Mas ele está a representar com precisão a anatomia de um ser humano. Tanto a anatomia como as emoções humanas são temas da ciência, e no entanto, isso seria classificado apenas como um retrato ou arte contemporânea. No entanto, a sua pintura poderia estar na capa de uma revista de psicologia, ou uma revista de fisiologia com um artigo sobre glândulas lacrimais. Mais uma vez, é sobretudo o contexto que o define.

 

 

Como mencionei na primeira pergunta, existe realmente uma diferença entre eles? Estou a brincar um pouco, mas também reconheço que por vezes, as actividades científicas não são realmente assim tão científicas. Entretanto, alguns aspectos da arte são muito científicos. Por exemplo, um quadro com um pigmento azul é definitivamente azul. Emite luz azul, e mesmo que seja daltónico, se se tomar um espectrofotómetro (uma máquina para medir os aportes de onda de luz), detectará luz azul. Isto é tão objectivo como a Gravidade é objectiva. E todos os estudos sobre química dos pigmentos que servem para criar tintas? Ou todos os estudos de geometria que são depois codificados no software que nos permite modelar um animal em 3D? A ciência e a arte sempre falaram entre si e utilizaram-se mutuamente durante muito tempo.

Agora, deixem-me acrescentar mais uma coisa. Pense na primeira forma de arte que os humanos criaram, as pinturas rupestres por humanos paleolíticos e neolíticos. Sempre foram interpretadas como uma forma de os seres humanos registarem o mundo natural à sua volta, relatando-o a outros seres humanos, e tentando compreendê-lo. Tentar compreender o nosso mundo natural é o objectivo da actividade científica. Assim, basicamente, a arte e a ciência vieram como uma só. Ou pode pensar nela como sendo a origem da arte uma forma de visualização de dados, e só mais tarde, a arte ramificou-se em representar outras coisas, tais como sentimentos e fantasias.

 

Há mais alguma coisa que nos queiras dizer?

Um conselho que dei a um artista mais jovem: “Se vais ficar desapontado, fica desapontado com os teus próprios conceitos errados sobre esta carreira, não sobre a carreira em si”.

Vivemos numa era de bombardeamento maciço da mensagem “siga os seus sonhosâ, mas estamos a ignorar demasiado o facto de que precisamos de trabalhar arduamente para alcançar algo, precisamos de ser responsáveis e aceitar as nossas escolhas, e lidar com muitas tarefas indesejadas. Só queremos o bom sem o mau. E penso que esta necessidade desesperada de realizar este tipo de sonho está a levar-nos a desistir rapidamente das coisas (ou nem sequer a experimentá-las). Devemos sonhar com os nossos pés no chão. Deveríamos aprender mais sobre o que está por detrás das cortinas da ciência e da arte, aprender que há o bom e o mau em ambos, de modo a podermos lidar com isso. Ambos os campos têm muitos obstáculos em cada passo das suas carreiras: as propinas escolares são elevadas, os requisitos de entrada na escola e no emprego são elevados, há demasiada competição, baixos salários (os professores universitários podem até pagar propinas universitárias pelos seus filhos), e empregos instáveis. Para não mencionar as questões de relação humana, tais como assédio sexual, racismo e qualquer outra forma de discriminação e intimidação (a ciência pode ser objectiva, mas isso não significa que os cientistas sejam… afinal, são seres humanos, não robôs). Não se trata aqui de ser negativo e desistir. Trata-se de saber em que e onde se está a meter, de modo a poder estar mais preparado para os problemas que possa enfrentar.  Algo que podemos mudar, outros que precisamos de engolir. Precisamos de nos endurecer a nós próprios de modo a levarmos o golpe, cairmos e sermos capazes de nos levantarmos de uma forma adequada e madura.

 

 

Estamos a olhar para a ponta da montanha e a esquecer o caminho que a leva a ela. O artista Clint Clearley (https://www.artstation.com/clintcearley) disse uma vez que deveríamos aprender a viver e a apreciar a viagem, não o destino. E talvez… talvez possa perceber que não há problema em conseguir um emprego por defeito e transformar a sua paixão num passatempo. Por vezes, é ainda melhor. Não precisa de confiar nas pessoas que lhe dizem para mudar a forma e as cores de um desenho, pode fazê-lo à sua maneira e não se preocupar com o pagamento. E alguns tipos de ciências, tais como taxonomia ou simulações biomecânicas, também pode fazer em casa, como hobby. Parece haver muita gente (no youtube) a construir robôs e a desenvolver tecnologias em casa. Pare de tentar definir-se pelo grau que possui ou pelo estúdio de animação em que trabalha, e comece a desfrutar do que faz independentemente.

 

Website, Instagram, e página ArtStation de Diego Araujo

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O artigo original CRIADORES â Diego Araujo, foi publicado @ ArtTheScience
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