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William Turner, a Paisagem Feita Realidade
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23 de setembro, 2022 0 Por Artes & contextos
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William Turner

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Uma exposição no Museu Nacional d’Art de Catalunya, em colaboração com a Tate Modern em Londres, mergulha os visitantes na obra do grande pintor paisagista inglês. A exposição traça os seus principais temas para o acompanhar nas suas viagens por uma Europa cuja natureza está a começar a ser transformada pela Revolução Industrial.

 

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Grenoble Bridge , Joseph Mallord William Turner, 1824, Tate.

 

As principais fontes de inspiração de Joseph Mallord William Turner (1775-1851) chegavam-lhe das suas viagens pela Grã-Bretanha e Europa continental e as suas paisagens incorporam diversas fontes, da mitologia clássica à própria história da arte ou invenções tecnológicas modernas, e situam-se entre a tradição e a inovação. Reconhecido como o melhor pintor de paisagens do período romântico pelo seu domínio da luz, cor e atmosfera , Turner pinta as imensas forças da natureza que, naquela época de grandes mudanças, no início da primeira Revolução Industrial, começavam a ser ameaçadas .

Os seus estudos atmosféricos refletem os efeitos do vapor, fumo e poluição que criam novas formas de neblina e efeitos de iluminação particulares . Turner reflete a pequenez do ser humano em comparação com a magnificência da natureza e capta efeitos atmosféricos extraordinários.

Através das suas pinturas, desenhos, croquis e gravuras, distribuídos em sete áreas temáticas, a exposição acompanha o desenvolvimento das suas composições, desde os primeiros esboços até às aguarelas finais, óleos ou gravuras. A exposição revela como a técnica da aguarela foi fundamental na abordagem científica e intuitiva do artista, e como lhe permitiu captar a intensidade das forças da natureza com uma precisão expressiva inigualável.

 

Uma viagem através da luz e da cor

Turner. Light is Color, é a primeira exposição no Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) dedicada à extraordinária obra de Turner. A exposição é uma viagem pelas paisagens mais atmosféricas do artista, reunindo mais de uma centena de pinturas, aguarelas, desenhos e cadernos da coleção da Tate. Durante uma palestra lida em 1818, Turner pronunciou a famosa frase “Luz é, portanto, cor”, que inspirou o título da exposição e sugere a devoção do artista em capturar essa força omnipresente.

 

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Going to the Ball (San Martino) ,  Joseph Mallord William Turner, 1856, Tate.

 

Turner elevou o status da pintura de paisagem, que até então era considerado um género menor, à categoria de “arte maior”, desafiando as convenções e incorporando técnicas inovadoras nas suas representações alegóricas de paisagens espetaculares e condições climatéricas pariculares. Hoje, Turner é amplamente reconhecido como o maior pintor de paisagens do período romântico devido ao seu domínio da luz, cor e atmosfera, e da sua capacidade de situar a experiência humana no mundo natural maior.

Desde o seu início na década de 1790 até às suas obras culminantes de meados da década de 1840, esta exposição explora o fascínio de Turner pelo clima e fenómenos atmosféricos . Tempestades, nuvens, arco-íris, neblina, incêndios e a lua eram motivos recorrentes, mas o sol era, sem dúvida, o seu tema mais querido. A exposição traça o desenvolvimento das composições de Turner desde os primeiros esboços e “primórdios das cores” exploratórias até aguarelas, pinturas a óleo e gravuras publicadas. A seleção de trabalhos apresentados revela como a aguarela foi fundamental para a abordagem científica e intuitiva de Turner, e como isso lhe permitiu captar a intensidade das forças da natureza com uma precisão expressiva incomparável.

 

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The New Moon; or, ‘I’ve lost My Boat, You shan’t have Your Hoop,  Joseph Mallord William Turner, 1840, Tate.

 

A inspiração de Turner veio muitas vezes das suas viagens pela Grã-Bretanha e pelaEuropa continental. A composição das paisagens foi nutrida por fontes variadas, como o estudo das ciências naturais, mitologia clássica, literatura, arte, poesia e invenção tecnológica moderna. Entre tradição e inovação, entre estúdios ao ar livre e trabalho de atelier, entre a natureza e o ideal, esta exposição apresenta as diversas preocupações por detrás das criações de Turner com todos os seus contrastes e paradoxos. As obras de Turner confrontam o espectador com uma experiência sensorial da natureza que é tão poderosa hoje quanto foi para os seus contemporâneos.

 

Memória, imaginação e síntese

Turner frequentemente entrelaçava eventos passados ​​ou histórias mitológicas nas suas paisagens. Um exemplo é  a Ponte do Diabo e o Desfiladeiro de Schöllenen , um esboço feito durante as suas viagens pelos Alpes Suíços em 1802. A ponte original foi destruída em batalhas entre tropas francesas e russas em 1799. Turner usou a ponte reconstruída para visualizar a cena da batalha, acrescentando representações imaginárias de pequenos soldados e mulas espalhadas ao longo da ravina. Isso ajuda o espectador a perceber a grande escala da paisagem, tal como Turner a deve ter sentido.

 

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The Devil’s Bridge,  Joseph Mallord William Turner, c. 1803-1804, Kunsthaus Zurique

 

No mesmo ano, Turner também visitou Grenoble. Suas perceções e memórias da cidade, e da ponte sobre o rio Isère, foram combinadas em quatro estudos de cores, resultando numa aguarela concluída por volta de 1824. Esta série ilustra passo a passo o processo de pintura de Turner, desde as primeiras aguarelas, de cores indistintas e dissolvidas, até aos últimos, em que os detalhes emergem claramente, saturados de cor.

Os métodos de Turner para fazer pinturas expositivas podem ser vistos nos esboços a óleo  Ulysses Outwitting Polyphemus  e  The Separation of Hero  e Leander , que combinam memórias da paisagem mediterrânea, pinturas de Claude Lorrain e Nicholas Poussin e sua leitura da literatura.

 

Criação do Cenário

As paisagens que formam o pano de fundo da pintura histórica de Turner muitas vezes desempenham um papel tão importante quanto as figuras retratadas na cena. Inspirado no teatro, Turner criou uma série de “panos de fundo” que variavam de mares turbulentos e tempestades a picos dourados e planícies serenas. Ele usou o céu, a atmosfera e a topografia como efeitos teatrais ou emocionais para evocar humores, que permanecem tão impressionantes para os observadores hoje quanto para os seus contemporâneos.

 

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Baco and Ariadne , Joseph Mallord William Turner, 1840.

 

Os temas de Turner aparecem frequentemente nos títulos das suas obras, fornecendo um contexto claro para pinturas, como  Baco e Ariadne  ou  Apullia em busca de Apullus . As figuras nessas pinturas eram muitas vezes de caráter mitológico, mas também incluíam um elenco de personagens do quotidiano, como agricultores, marinheiros, pescadores e soldados. Embora às vezes tenha sido criticado por não respeitar a precisão da representação figurativa nas suas pinturas históricas, Turner demonstrou sua habilidade técnica e ov domínio do óleo e da aguarela por meio de representações exemplares de elementos naturais.Para transmitir a história das suas pinturas, usou tanto a falácia patética quanto as ações das próprias personagens, fazendo com que a paisagem desempenhasse um papel central na definição da sua narrativa.

 

Frente a frente com a natureza

Turner adorava observar a natureza em primeira mão e muitas vezes realizava pesquisas de campo para tentar captar a atmosfera do ambiente.

Há também outros trabalhos que evidenciam a exploração de Turner sobre como a humanidade afetou e transformou a paisagem ao longo dos anos. Turner bservou-o nas viagens que fez durante as décadas marcadas pela Revolução Industrial. Alguns dos seus estudos mais atmosféricos atestam o vapor, o fumo e a poluição causados ​​pela industrialização, que deram origem a novas formas de neblina e efeitos de luz.

 

Luzes e Ambientes

Turner afirmou que uma vez amarrou-se ao mastro de um navio durante uma forte tempestade para melhor pintar o fenómeno de memória. Embora esta história possa ser uma invenção do artista, ela ilustra muito bem o seu compromisso com o trabalho, pois Turner sabia melhor do que ninguém como captar efeitos atmosféricos extraordinários na tela.

 

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The Mouth of the River Humber,  Joseph Mallord William Turner, c. 1824-25

 

À medida que a sua carreira progredia, a atenção de Turner à luz e à atmosfera ia cada vez mais substituindo os elementos topográficos ou cénicos das suas pinturas, que nos anos posteriores foram envoltos em luz. Alguns dos seus estudos mais elementares do mar dispensam completamente as características costeiras e tornam-se meditações cheias de luz sobre a relação do observador com o mundo exterior.

Isto é especialmente verdadeiro nos seus trabalhos posteriores, nos quais Turner deliberadamente borra os detalhes a tal ponto que o mundo físico desaparece em favor de um mundo mais luminoso e intangível. Embora Turner não tenha apresentado esses estudos como trabalhos acabados, o facto de muitos terem permanecido no seu atelier sem mais embelezamento sugere que ele estava satisfeito com o estado inacabado e puramente atmosférico dos mesmos.

 

Sublimidade Luminosa

Turner frequentemente visitava lugares específicos onde a luz apresentava qualidades distintas e peculiares. Em Lucerna, Veneza e Margate, por exemplo, a água reflexiva interagindo com a luz criou o que Turner considerava uma beleza muito especial. Ele esforçou-se para dominar os efeitos da luz, e a sua aplicação em tinta, experiente mas experimental, permitiu-lhe obter uma luminosidade convincente tanto em aguarelas quanto em óleos. Esses métodos incluíam a sua escolha cuidadosa de papel, o seu método único de preparar a tela e a sua técnica de sobreposição e remoção repetida de tinta para criar um efeito borrado de dissolução e transcendência.

 

A Escuridão é Visível

Com base nos estudos da teoria das cores de Isaac Newton (1643-1727) e Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832), Turner considerou a luz e a escuridão como valores visuais e emocionais iguais na arte e na natureza. A sublimidade da luz não poderia existir sem a sublimidade da escuridão, e ele frequentemente justapunha as duas para criar um impacto maior.

Turner usou tons de branco e preto com moderação nas suas formas puras, reservando-as principalmente para ênfase emocional e visual. Uma mistura de cores de todo o espectro, do delicado e brilhante ao escuro, deu-lhe os efeitos de cor, luz e escuridão que procurava alcançar.

 

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Buttermere Lake, with Part of Cromackwater, Cumberland, a Shower,  Joseph Mallord William Turner, 1798, Tate.

 

Turner percebeu suas composições pitorescas como um entrelaçamento de luz e escuridão. Em  Buttermere Lake, com parte de Cromackwater, Cumberland, um aguaceiro  (1798) usa contrastes para evocar a admiração do espectador pela grandeza da natureza. A pintura é baseada num esboço a aguarela que representa condições calmas e tempestuosas ocorrendo simultaneamente no distrito inglês dos lagos, que Turner presumivelmente testemunhou no local. No seu caderno, escreveu a palavra preto na superfície do lago. Combinados com os efeitos dramáticos da luz, os tons muito escuros contribuíram para o clima dramático da pintura.

Desde os primeiros estágios da carreira de Turner, a sublimidade da escuridão é retratada na forma de nuvens de tempestade ameaçadoras e águas negras como tinta. Essa linha preta percorre toda a sua obra, e muitas vezes entra em conflito com o homem e inspira medo no espectador. No final da carreira, o sublime incorpora formas cada vez mais elementares, mas igualmente sombrias e sinistras. Um dia Turner disse: “Eu gostaria de ter uma cor para torná-los ainda mais pretos”.

 

O Sol é Deus

Diz-se que antes de morrer, Turner afirmou que “o Sol é Deus”. Embora o verdadeiro significado seja desconhecido, o Sol, sem dúvida, ocupou uma posição central na sua obra. Era o seu tema mais representado e apreciado, o “mais belo dos seres” ou “fonte de alegria”, como dizia.

Turner estava interessado nas últimas teorias científicas relacionadas com a luz e a cor e aplicou os seus conhecimentos nas tentativas de pintar o Sol e replicar a sua energia. Ele seguiu as experiências óticas de Goethe, cujos apontamentos incluem um estudo de pós-imagens, as manchas de cor que ocorrem no olho quando se olha diretamente para o Sol. Além de se inspirar em efeitos científicos, também se inspirou no poder simbólico do Sol, inspirando-se na mitologia clássica e frequentemente fazendo referência ao Sol no verso poético que acompanhava as pinturas que expunha na Royal Academy.

 

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Auto-retrato, Joseph Mallord William Turner, 1799, Tate.

Alguns estudiosos interpretaram os seus sóis como autorretratos. Nos tempos românticos, o artista era frequentemente descrito como um génio com capacidade criativa divina. Como essa ideia era frequentemente ilustrada pelo motivo do Sol, as pinturas podiam ser vistas como uma representação da criatividade de Turner como artista.

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O artigo original William Turner, el paisaje hecho realidad foi publicado @ Descubrir el Arte
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