O Minimalismo

Antes de mergulhar de cabeça numa exploração do lado mais sagrado do minimalismo, pensei que poderia ser útil começar por dar uma breve explicação sobre o próprio movimento. O minimalismo como movimento artístico começou na década do pós-guerra, conquistando popularidade no mundo da arte ao longo da década de 1960. O estilo minimalista na música ganhou raízes no final dos anos 60, com base, como se poderia esperar, no movimento artístico que o precedeu. Depois do pesadelo global que foi a Segunda Guerra Mundial, é compreensível que os artistas tenham caminhado para a simplicidade que, em termos musicais em particular, foi também meditativa e serena. A música, tal como a arte, era simplificada, elegante, despojada e quase imediatamente acessível.

 

Minimalismo Sacro

Compositores como Michael Nyman, La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich e Phillip Glass rapidamente imergiram neste novo movimento artístico e, ao fazê-lo, criaram um estilo de música que permanece altamente popular hoje em dia. Os seus estilos, embora cada um deles único e diversificado, muitas vezes são orientados em torno de padrões rítmicos e melódicos repetidos em camadas, chamados ostinato, que derivam da influência da música de Balinese Gamelan.

Existe uma multiplicidade de técnicas de composição que estes músicos empregam nas suas obras que recorrem ao Jazz, à música tradicional japonesa, à música clássica indiana e às técnicas contrapontísticas de Bach. O que emerge é uma música de texturas complexas sem esforço, melodias motivadoras e, frequentemente, uma homogeneidade significativa. Este último elemento é uma característica chave do minimalismo que envolve a invenção de combinações instrumentais menos tradicionais, como seis pianos, quatro marimbas ou peças de madeira.

Embora uma quantidade significativa de música susceptível de ser ouvida como pertencendo à categoria cada vez mais ampla do minimalismo seja secular, existe também um tesouro de música devocional. É aqui que o título do artigo entra em foco, pois alguns compositores têm sido apontados como “minimalistas sacros”.

O nome pode não ser apelativo para estes compositores que, longe de serem criadores de apenas música sacra, compõem uma vasta selecção tanto de obras religiosas como seculares.

 

Um dos compositores mais influentes e respeitados da música sacra do século XXI é o estónio Arvo Pärt. Ao ouvir a música de Pärt pela primeira vez, pode ser perdoado se assumir que esta é a forma com que ele sempre abordou a composição musical.

A sua música brilha com clareza e solidez estruturais, mas as suas origens estão mais alinhadas com a segunda escola vienense do que com o trabalho dos minimalistas. Pärt chegou a um ponto de crise no final dos anos 60 ao descobrir que as suas crenças religiosas e métodos de composição estavam a atrair a atenção indesejada das autoridades. Isso levou-o a um exílio auto-imposto, após o qual ele surgiu como um compositor muito diferente com uma linguagem musical a que chamou “tintinnabulum”: (latim para sininho). E de tantas maneiras esta maravilhosa palavra resume sucintamente a música de Pärt.

A colecção de obras sagradas de Pärt é impressionante, sendo muitas baseadas em textos da Igreja Ortodoxa, à qual aderiu no final dos anos 60. Ao ouvir com atenção pode-se também encontrar traços distintos do Canto Gregoriano nas suas obras sagradas que devem muito à obra dos compositores da Renascença. Das peças sagradas de grande escala que Pärt escreveu:

Berliner Messe (1990);

 

A 216Paixão Segundo São João (1989);

 

Te Deum (1984)

https://youtu.be/n5ghhmWrubY

estão entre as mais tocadas e celebradas. Entre o turbilhão de tendências contemporâneas Pärt manteve-se fiel à sua crença na simplicidade musical, criando partituras quase translúcidas e cintilantes e imediatamente convincentes.

Henryk Górecki não era um nome muito conhecido até 1992, quando a sua 3ª Sinfonia intitulada Sinfonia das Canções Tristes  (também conhecida como Sinfonia das Lamentações) foi gravada pela London Sinfonietta com a soprano Dawn Upshaw como solista.

 

O disco tornou-se rapidamente um sucesso internacional, vendendo mais de um milhão de cópias. O que impressionou e inspirou este sucesso não foi apenas a música calma, dramática e refinada deste compositor polaco, mas também as palavras que ele escolheu. Helena Blauzusiakówna, enquanto estava presa num campo da Gestapo em 1944, com apenas 18 anos de idade, escreveu estas palavras na parede da prisão para a sua mãe ler:

Oh, Mama do not cry,

Immaculate Queen of Heaven

Support me always.

As palavras não revelam qualquer medo da morte, mas uma profunda preocupação com o desespero que a sua mãe viria a sentir. Tão poderoso foi o cenário de Góreckí para estas palavras que teve ressonância em todo o mundo e posicionou-o como um compositor chave do Minimalismo Sacro.

A música de Górecki é altamente expressiva, combinando gigantescas estruturas de acordes contra delicadas melodias populares consonantes. A sua facilidade para evocar emoções através das suas composições é cativante e arrebatadora. Semelhante à obra de Arvo Pärt, as partituras de Górecki têm uma qualidade meditativa que convidam ao alinhamento com os minimalistas sagrados.

Um dos compositores mais devotos a emergir na cena musical contemporânea britânica no século passado foi John Tavener (1944). A partir de meados dos seus vinte anos, Tavener já construía uma reputação entre os jovens compositores da época. Era um pianista talentoso e um ávido admirador das obras de Stravinsky, cujo Canticum Sacrum inspirou Tavener a começar a explorar as suas próprias composições. Em 1962 conquistou um lugar na Royal Academy of Music onde dedicou os seus estudos exclusivamente à composição.

 

As obras de Tavener são predominantemente religiosas e ele converteu-se à Igreja Ortodoxa Russa em 1977, de onde muitas das suas obras são influências. O momento que projetou Tavener no fórum público foi a apresentação de sua obra intitulada Canção para Ateneu, como parte do funeral de Diana, Princesa de Gales, em 1997.

 

Tal foi o impacto desta peça sobre o público britânico que não só garantiu o lugar da Tavener na História, como parecia ter capturado o luto colectivo de uma nação. É uma partitura simples para uma capella, um coro em quatro naipes e uma duração breve de sete minutos.

The Protecting Veil (1988), encomendado pelo violoncelista Steven Isserlis, é mais um belo exemplo das obras sacras de Tavener.

 

Incluí esta obra não só pela sua beleza pura, mas por ser uma peça instrumental, em oposição à coral, mas também por ser completamente inspirada pela Igreja Ortodoxa Russa e pela sua comemoração da aparição de Maria no século X. A obra de dez minutos está estruturada em oito secções intituladas, cada uma das quais a partir da vida de Maria.

 

O artigo original Introduction of Holy Minimalism, foi publicado @ CMUSE – Classical
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Este artigo foi traduzido do original em inglês por Redação Artes & contextos

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